Tallinn Architecture Biennale (TAB) is an international architecture and urban planning festival with a diverse programme that promotes architectural culture. TAB encourages synergy between Estonian and foreign architects as well as between architects and the general public by way of creating contacts and exchanging ideas.

The core programme consists of five main elements: Curatorial Exhibition, Symposium, Tallinn Vision Competition, Installation Programme, and an International Architecture Schools' Exhibition. Tallinn Architecture Biennale TAB is organized by the Estonian Centre for Architecture. This year, TAB 2026 is titled „How much?”. As the curatorial team states, the biennale challenges us to rethink what affordability truly means in architecture today and will be curated by Stuudio TÄNA.

Text: Tallinn Architecture Biennale

Kriege, Konflikte und ökologische Katastrophen zerstören weltweit Städte und Lebensräume. Der Wiederaufbau ist eine dringende Aufgabe; Millionen von Menschen brauchen Schutz, Räume, Sicherheit. Das Ausstellungs- und Veranstaltungsprojekt der Akademie der Künste in diesem Herbst mit dem Titel „Metaxy : Zwischen Zerstörung und Wiederaufbau“ richtet den Blick auf jenen unsicheren Moment, in dem noch offen ist, wie Gesellschaften mit Verlust, Schuld und Erinnerung umgehen – und wie sie die Zukunft entwerfen. Der Begriff metaxy, altgriechisch für „zwischen“, bezeichnet dabei den Spannungszustand zwischen Ruine und Rekonstruktion, Vergangenheit und Zukunft.

Zu den drei Themenbereichen der Ausstellung, Häuser – Böden – Zeiten, findet ein diskursives und musikalisch-performatives Veranstaltungsprogramm statt. Ein umfangreiches Vermittlungsprogramm begleitet das Projekt. Ein Themenheft der Zeitschrift ARCH+ dokumentiert und vertieft die zentralen Fragestellungen. (Text: Akademie der Künste)

Am 28.3.2026 eröffnete die Stiftung Bauhaus Dessau die zwei großen Hauptausstellungen des Jubiläums „An die Substanz. Bauhaus Dessau 100“, sowie drei kleinere Freiluftpräsentationen. Diese erkunden die materiellen, wirtschaftlichen und technologischen Grundlagen der Gestaltung am Bauhaus. Darüber hinaus nehmen sie auch gegenwärtige Fragen des Bauens in den Blick und untersuchen lokale wie globale Produktionskreisläufe, Arbeitsbedingungen sowie die Folgen für Natur und Ökosysteme.

Die beiden Ausstellungen Glas | Beton | Metall (im Bauhausgebäude) und Algen | Schutt | CO2 (im ehemaligen Kaufhaus Zeeck) gehen den Stoffen und Materialien, aus denen das Bauhausgebäude gemacht ist, sowie alternativen Arten des Bauens auf den Grund. Zwei Freiluftpräsentationen widmen sich jeweils der Geschichte des Stahlhauses und der Junkers-Lamellenhalle am Leopoldshafen. Und rund um das historische Arbeitsamt rückt ein Programm aus Installationen, Performances und Experimenten den Werkstoff Backstein in den Mittelpunkt. (Text: Stiftung Bauhaus Dessau)

Die Stiftung Bauhaus Dessau eröffnet am Samstag, 30. Mai 2026, 11 Uhr, im Meisterhaus Gropius die Ausstellung Jürgen Beck. Then leave the ornamentation of it to nature. Im Rahmen der Ausstellungseröffnung findet ein Künstlergespräch zwischen Jürgen Beck, Barbara Steiner und Juliane Aleithe, Stiftung Bauhaus Dessau statt.

Im Zentrum der Ausstellung steht die Frage, wie Fotografie Architektur sichtbar macht. Ausgangspunkt der Arbeiten des in Zürich lebenden Künstlers Jürgen Beck ist die ikonische Architektur der Bauhausbauten in Dessau. Die gezeigten Fotografien entstanden während seines Aufenthalts als Artist-in-Residence der Stiftung Bauhaus Dessau im Jahr 2025.

Die Ausstellung ist Teil des Residenz-Programms der Stiftung Bauhaus Dessau und wird im Kontext des Jubiläums An die Substanz. Bauhaus Dessau 100 präsentiert, mit dem die Stiftung seit September 2025 gemeinsam mit zahlreichen Partner*innen 100 Jahre Bauhaus in Dessau feiert.

Text: Stiftung Bauhaus Dessau

Das Denken und Bauen des Architekten Frank Gehry ist maßgeblich mit dem Einfluss von Los Angeles und der dortigen Kunstszene verbunden. Diese umfassende Ausstellung widmet sich Gehrys früher künstlerischer Prägung, die zu seinem revolutionären Ansatz führte, Architektur neu zu denken.

Das freigeistige Umfeld rund um die Gruppe der „Cool School“, die sich seit Ende der 1950er Jahre in Los Angeles etablierte, war ein Schmelztiegel künstlerischer (Material-) Experimente, geprägt von der Beat-Literatur. In diesem vibrierenden Netzwerk an der kalifornischen Küste entwickelt sich ein inspirierender kunst- und architekturübergreifender Dialog. Die Schau im Marta Herford, einer einzigartigen Bauskulptur von Frank Gehry, versammelt diese Impulse und eröffnet Verbindungen zu ikonischen Werken der amerikanischen Nachkriegskunst sowie der folgenden Generationen aus diesem Kontext.

Künstler*innen: John Altoon, Carl Andre, John Baldessari, Larry Bell, Billy Al Bengston, Wallace Berman, John Chamberlain, Judy Chicago, Meg Cranston / John Baldessari, Ronald Davis, Frank Gehry, David Hockney, Robert Irwin, Donald Judd, Craig Kauffman, Corita Kent, Edward Kienholz, Ed Moses, Claes Oldenburg / Coosje van Bruggen, Ken Price, Robert Rauschenberg, Deborah Remington, Ed Ruscha, Richard Serra, Pae White. (Text: Marta Herford)

Die Ausstellung „More is Now!“ findet anlässlich des Ehrengastauftritts Tschechiens auf der Frankfurter Buchmesse statt. Präsentiert werden innovative Beispiele gelungener architektonischer Praxis junger Architektinnen und Architekten, überwiegend aus der sogenannten Millennial-Generation. Sie bietet eine einzigartige Gelegenheit, der deutschen Öffentlichkeit die bislang wenig bekannte junge tschechische Architekturszene näherzubringen und zugleich fachliche sowie kulturelle Beziehungen zu stärken.

Die Ausstellung knüpft an das modernistische Erbe an – insbesondere an die Villa Tugendhat in Brünn, die Ludwig Mies van der Rohe im Alter von 42 Jahren als ikonisches Bauwerk der Moderne entwarf. Gezeigt werden rund 30 ausgezeichnete architektonische Realisierungen, überwiegend aus Regionen außerhalb Prags, wodurch der multilokale Charakter der Wahrnehmung und Entdeckung der Tschechischen Republik betont wird. (Text: DAM / Nationalgalerie Prag)

Das dritte und letzte Kapitel der im Rahmen des 80. Jubiläums des Haus am Waldsee entwickelten Ausstellungsreihe Seit… zeigt neue, aus der Auseinandersetzung mit dem Ort und seiner Geschichte entwickelte Werke der Künstlerin Sophie Kovel (*1996 in Los Angeles, lebt und arbeitet zwischen Paris und New York).

Die Ausstellung entfaltet sich entlang der von Nina Akhvlediani entworfenen Display-Architektur im Café, der ehemaligen Garage des Hauses. Dabei wendet sich Kovel dem nahegelegenen Studio Babelsberg zu, um dessen Geschichte avantgardistischer, faschistischer und sozialistischer ideologischer Bildproduktion ebenso zu untersuchen wie die Wirkmächtigkeit und Verbreitung von Medienbildern in der Gegenwart. (Text: Haus am Waldsee)

Diese Ausstellung ist keine bloße Präsentation von [Bau-]Werken im Sinne einer klassischen Werkschau. Sie soll einen [un-]gewöhnlichen Blick auf die Architektur von Klaus Kada eröffnen: jenseits der sichtbaren Oberfläche, in die Tiefen seines architektonischen und künstlerischen Denkens. Architektur wird nicht nur als fertiges und vollendetes Objekt präsentiert, sondern als Vorläufiges, Fragiles, Prozesshaftes – in Facetten, Nuancen, Atmosphären, die zeigen, wie seine Arbeiten zwischen Konkretem und Poetischem oszillieren. Sie erscheint als Gedanke, als Wahrnehmung, als Experiment mit Material, Licht, Transparenz, Farbe und Form.

Die freien wie angewandten künstlerischen [Neben-]Produktionen entfalten sich zwischen Kunst und Architektur – diese werden zu einem Resonanzraum: Was wäre, wenn die [architektonische] Form in Fragmente zerfällt, Andeutungen bleiben und die Idee selbst zum Material wird? Diese Ausstellung eröffnet solche Zwischen- und Denkräume. (Text: Sigrid Prinz, gekürzt)

Das größte Kulturbauvorhaben der Zweiten Republik hat wie kaum ein anderes polarisiert und zugleich die Stadt Wien so verändert: das MuseumsQuartier Wien. Anlässlich des 25-Jahr-Jubiläums blickt das MQ auf seine Erfolgsgeschichte zurück.

Bis zum größten Kunst- und Kulturareal Europas war es ein konfliktreicher Weg, der von Diskussionen, politischen Richtungswechseln und medialen Debatten geprägt war, die weit über Fragen der Architektur hinausgingen. Was für viele Wienerinnen und Wiener heute selbstverständlich ist, drohte lange Zeit an Gezänk zu scheitern. Die Ausstellung „Vision und Widerstand – Wie das MuseumsQuartier Wien veränderte“ erzählt im MQ Freiraum die Geschichte des MQ: von kühnen Entwürfen, erbitterten Debatten und einem Projekt, das immer wieder am Rand des Scheiterns stand.

Anhand von Skizzen, Original-Architekturmodellen, Plänen, historischen Dokumenten und Schlagzeilen veranschaulicht sie die jahrzehntelangen Auseinandersetzungen und zeigt, dass das MQ inhaltlich sowie architektonisch nie als „fertig“ gedacht war. Auch der Leseturm, der einst die öffentlichen Diskussionen anführte, rückt erneut ins Zentrum der Aufmerksamkeit.

Text: MuseumsQuartier Wien

Der AIV-Schinkel-Wettbewerb hat eine lange Tradition und wurde erstmalig 1852 unter den Vereinsmitgliedern ausgeschrieben. Seitdem werden in diesem Förderwettbewerb Jahr für Jahr jungen Architekten, Ingenieuren und Künstlern in nunmehr neun Fachsparten (Städtebau, Architektur, Landschaftsarchitektur, Kunst und Bauen, Konstruktiver Ingenieurbau, Ver- und Entsorgungstechnik, Straßenbau und Verkehrswesen, Eisenbahnbau, Wasserbau) Aufgaben gestellt mit dem Ziel, deren Kreativität und Phantasie für die Lösung zukunftsorientierter Planungsaufgaben herauszufordern.

Ausgelobt wird in jeder Fachsparte ein Schinkelpreis für hervorragende technisch-wissenschaftliche Leistungen im Bauwesen, die entweder das gelungene Zusammenwirken verschiedener technisch-wissenschaftlicher Disziplinen dokumentieren oder sich als Einzelleistungen durch das vorbildliche Abwägen von fachspezifischen und übergeordneten Belangen besonders auszeichnen.

Der Preis dient der Förderung des technisch-wissenschaftlichen Nachwuchses, daher dürfen die Teilnehmer am Wettbewerb nicht älter als 35 Jahre sein. Der AIV-Schinkel-Wettbewerb wirkt aber auch für Berlin und seine Region auf der Suche nach ihrer künftigen Gestalt. Die Vielfalt der Ideen fördert die Planungskultur und bereichert sie. Am 13. März 2027, dem Geburtstag Schinkels, werden die Preise im Rahmen des Schinkelfestes verliehen. (Text: Architekten- und Ingenieurverein zu Berlin-Brandenburg e.V.)

Der Stiftung Bauhaus Dessau wurde und wird viel geschenkt: Kunstwerke, Designobjekte, Fotografien und Dokumente, aber auch historische Lichtschalter aus Bakelit oder bauzeitliche Objekte aus verschiedenen Bauhausbauten. Im Bauhaus Museum Dessau werden ausgewählte Stücke gezeigt, die die Stiftung seit der Eröffnung des Museums 2019 erhielt.

Von der Großzügigkeit zahlreicher Institutionen und bauhausbegeisterter Menschen profitieren neben der historischen Sammlung auch die Bibliothek, das Bauforschungsarchiv und das Stiftungsarchiv. Und auch die Eröffnung des Bauhaus Museums Dessau im Jahr 2019 wäre ohne die zahlreichen Schenkungen kaum möglich gewesen. Seitdem sind mehr als 3.000 Objekte von über 150 Schenkenden hinzugekommen.

Mit der Ausstellung Bakelit | Glasur | Farbe – die für ein Jahr in die ständige Sammlungspräsentation integriert ist – möchte sich die Stiftung Bauhaus Dessau bei den Schenkenden bedanken. Aufgrund des unglaublichen Umfangs an Donationen muss sich die Ausstellung auf Schenkungen seit 2019 beschränken. Neben einer Auswahl ausgestellter Objekte bieten wir in einer digitalen Bildergalerie einen zusätzlichen Überblick über die Gesamtheit der Schenkungen der letzten sechs Jahre. Die Ausstellung veranschaulicht, auf welch vielfältige Weise sie die Substanz der Sammlungen der Stiftung Bauhaus Dessau bereichern.

Untrennbar verbunden mit der physischen Existenz der Objekte und ihren faktischen Metadaten sind die vielfältigen persönlichen Erzählungen der Menschen, die uns die Objekte anvertraut haben. Sie sind einmalige Zeugnisse ihrer emotionalen Beziehungen zum Bauhaus Dessau, geschichtlich und im Jetzt. Auch diese Erzählungen sind essenzieller Teil der Ausstellung und ihrer Substanz für die Zukunft.

Text: Stiftung Bauhaus Dessau

Ein halbes Jahrhundert Stadtgeschichte im Haus zum Rech: Seit 1976 bewahren das Baugeschichtliche Archiv und das Stadtarchiv Zürich hier Zeugnisse der Vergangenheit. Zum 50-jährigen Jubiläum lädt die Ausstellung „Zürich 1976–2026“ vom 1. September 2026 bis zum 31. Januar 2027 zu einer Zeitreise durch die jüngere Zürcher Geschichte ein.

Die Ausstellung beleuchtet anhand von 22 ausgewählten Episoden und Ereignissen, wie sich Zürich in den vergangenen fünf Jahrzehnten verändert hat. Thematisiert werden Bauprojekte und Verkehrsplanungen, aber auch nie realisierte Vorhaben und gesellschaftliche Bewegungen. Sie alle haben nicht nur das Stadtbild und das Zusammenleben beeinflusst, sondern auch zahlreiche Spuren in den Beständen des Baugeschichtlichen Archivs und des Stadtarchivs hinterlassen. Zu sehen sind Fotografien, Pläne, Schriftstücke und weitere Quellen, die einen unmittelbaren Einblick in die Ereignisse von damals ermöglichen. (Text: Stadt Zürich, gekürzt)

Josef Kaiser (1910–1991) zählt zu den prägenden Vertretern „sozialistischer“ Architekturen der DDR. Zwischen 1950 und 1980 realisierte er gemeinsam mit seinem Kollektiv zahlreiche staatliche und kommunale Bauprojekte, darunter das Berliner Kino International und das Café Moskau an der Karl-Marx-Allee.

Seine beruflichen Anfänge in NS-nahen Architekturbüros standen seiner Karriere im sozialistischen Staat nicht im Weg. Vielmehr galten seine Entwürfe, die auch international Beachtung fanden, als Ausdruck eines neuen gesellschaftlichen Aufbruchs. Viele der erhaltenen Bauten Kaisers sind heute als bedeutende Zeugnisse einer eigenständigen kulturellen Identität der DDR denkmalgeschützt.

Die Ausstellung rekonstruiert erstmals umfassend Leben und Wirken des Architekten, der in zwei unterschiedlichen diktatorischen Systemen tätig war. Rund 60 Pläne, Fotografien, Filme und Modelle aus dem Bestand der Berlinischen Galerie sowie aus nationalen Sammlungen zeichnen Kaisers Schaffen nach und beleuchten politische wie ästhetische Spannungsfelder. Zeitgenössische künstlerische Positionen erweitern den Blick und eröffnen neue Perspektiven auf das architektonische Erbe der DDR. (Text: Berlinische Galerie)

Tomás Saraceno (geb. 1973, San Miguel de Tucumán, Argentinien) verbindet Kunst, Archi­tektur und Wissenschaft miteinander, um mögliche ökosoziale Zukunftsvisionen zu entwerfen. Die Aus­stellung präsentiert seine zentralen Forschungsprojekte Aerocene und Arach­no­philia sowie eine neue, gemeinsam produzierte Auftragsarbeit, die gemeinsam mit Indigenen Ge­mein­schaften von Red Atacama aus Las Salinas Grandes im Norden Argentiniens entwickelt worden ist. Deren fortwährender Kampf gegen den Lithiumabbau und die damit verbundene Beein­träch­tigung der lebenswichtigen Was­serkreisläufe in der Region bilden den Aus­gangs­punkt für ein Kunstwerk, das sich über die Grenzen des Ausstellungsraums hinaus er­streckt.

Im Haus der Kunst materialisieren sich diese Ideen in Gestalt von Luft-Skulpturen, Habitaten für verschiedenste Spezies und Environments, die neue Arten von Auf­merk­sam­keit erfordern. Gemeinsam bieten die Arbeiten eine Plattform, um die Formen der Koexistenz von Menschen und nicht-menschlichen Wesen neu zu überdenken. Sie ge­ben zugleich Anstoß für einen breiteren Dialog über die ökologischen und die sozialen Kräfte, welche die globale Energiewende prägen. (Text: Haus der Kunst München)

Städte werden durch den Klimawandel immer heißer – mit spürbaren Folgen. Hitze, Dürre, Wasserknappheit und Überschwemmung machen deutlich, wie dringend urbane Räume neu gedacht und gestaltet werden müssen. Da Städte den größten Anteil an CO₂-Emissionen verursachen, tragen sie eine besondere Verantwortung, etwa beim Umbau von Infrastruktur und öffentlichem Raum. Viele von ihnen wollen in den nächsten fünfzehn Jahren klimaneutral werden. Was bedeutet das für die Zukunft – für Planung, Architektur und Leben in der Stadt?

Too Hot zeigt Beispiele aus dreizehn europäischen Städten verschiedener Klimata, von der Kleinstadt bis zur Metropole. Sie reagieren auf die Klimakrise mit konkreten Maßnahmen für Klimaschutz und Anpassung: darunter gebaute Projekte, strategische Planungen und zivilgesellschaftliche Initiativen. Die Ausstellung veranschaulicht, wie vielfältig dieser Wandel aussehen kann und von welchen sozialen Fragen und gesellschaftspolitischen Diskursen er begleitet wird.

Too Hot richtet sich an die Stadtgesellschaft aller Altersgruppen, kommunale Entscheidungsträger*innen, Fachöffentlichkeit und internationales Publikum. Kuratorisches Team: Katharina Böttger, Jonas Malzahn, Mathias Schnell (studio central)

Text: Deutsches Architekturmuseum (DAM)

„Gestalten für Berlin“ beleuchtet künstlerische Grundlagen, Entwurf und Praxis und versammelt historische und gegenwärtige Arbeiten aus den Bereichen Formgestaltung und Grafikdesign. Zudem fragt die Ausstellung nach aktuellen Perspektiven: Was heißt es, heute Design zu studieren?

Ob Berlinale-Plakat oder der Schriftzug für das Kino International, U-Bahn oder Fahrrad, Weltzeituhr oder klimaschützende Fassaden, Brandwände oder Bühnenplakate: Generationen von Studierenden, Lehrenden und Absolvent*innen aus Weißensee gestalten Berliner Stadträume, Kultur und Mobilität, kurz: den Berliner Alltag.

Die Ausstellung ist eine Skizze und erhebt keinen Anspruch auf Vollständigkeit. Sie kann weder das Schaffen aller Menschen und Fachbereiche aus acht Jahrzehnten noch das Wirken über Berlin hinaus abbilden. Vor dem Hintergrund gesellschaftlicher und ökologischer Herausforderungen sowie der umfangreichen Kürzungen im Wissenschafts- und Kulturbereich verweist „Gestalten für Berlin“ auf die Innovations- und Gestaltungskraft von Design, Kultur und Lehre und deren Bedeutung für eine zukunftsfähige und lebenswerte Stadt.

Text: Kunsthochschule Berlin-Weißensee (gekürzt)

In den 1980er-Jahren entwickelte sich in der DDR eine spezifisch ostdeutsche Auseinandersetzung mit der Postmoderne – auch wenn diese dort nicht so genannt werden durfte. Ihre Protagonist:innen gehörten einer bohemistischen Subkultur an, die im Schatten eines repressiven Staates entstand, der zunehmend an Autorität verlor.

Einer von ihnen war der Architekt Michael Kny. Im Kollektiv unter der Leitung von Wolf-Rüdiger Eisentraut entwarf er mit seinem Partner Thomas Weber in den 1980er-Jahren einige Bauten für das neue Zentrum Marzahns. Sie suchten innerhalb des typisierten Bauens nach eigenen Formen und wichen mit ungewöhnlichen Kombinationen industriell gefertigter Bauteile von den Normbauten der DDR ab.

Kny wurde zugleich zum Vorbild für Peter Kahanes DEFA-Spielfilm Die Architekten (1989/90). Der Film erzählt von einem Nachwuchs-Architekten, dessen Großprojekt an Bürokratie und ökonomischen Zwängen scheitert, und folgt den verschiedenen Phasen dieses Scheiterns bis hinein ins Private. Der Film steht exemplarisch für die Krise des DDR-Bauwesens und zeigt in prägnanten Bildern eine Stadt zwischen Plattenbau-Metropole und Boheme-Kiez inmitten einer niedergehenden DDR.

Die Ausstellung Die Architekten* nimmt Film und Baukomplex und zum Ausgangspunkt und verbindet Architektur, Film, Fotografie und Kunst. Historische Dokumente, Modelle und Fotografien treffen auf die künstlerischen Großsiedlungs-Collagen von Wenke Seemann, Videogespräche von Sonya Schönberger mit Beteiligten, Porträtserien von Ulrich Wüst oder das Gemälde "Breughels Babylon" vollendet von Michael Kny. Gemeinsam machen sie ein Netzwerk von Ideen, Freundschaften und künstlerischen Praktiken sichtbar, dessen Spuren bis in die Gegenwart reichen. (Text: nGbK-Arbeitsgruppe station urbaner kulturen)

Mit einer über fünfzig Jahre währenden Schaffenszeit und mehr als 200 realisierten Projekten zählt Geoffrey Bawa (1919–2003) zu den einflussreichsten Architekten Asiens des 20. Jahrhunderts. Sein Werk verbindet die Prinzipien des Modernismus auf einzigartige Weise mit regionalen und traditionellen Elementen und entwickelt so eine unverwechselbare Architektursprache, die sensibel auf den Ort, lokale Materialien und kulturelle Identitäten reagiert. Bawas Oeuvre prägte die Architektur des postkolonialen Sri Lanka nachhaltig und umfasst Hotels, Privathäuser, Schulen, Universitäten, Fabriken, Bürogebäude sowie das Parlamentsgebäude des Landes. Heute wird sein Ansatz weltweit neu entdeckt und dient als inspirierendes Vorbild für sozial und ökologisch nachhaltiges Bauen.

Im Herbst 2026 präsentieren das Vitra Design Museum und M+ Hongkong in Zusammenarbeit mit dem Geoffrey Bawa Trust die erste umfassende Retrospektive zu Bawa seit zwei Jahrzehnten. Die Ausstellung beleuchtet zentrale Leitmotive seines Schaffens – von interdisziplinärer Zusammenarbeit sowie ökologischem, sozialem und kulturellem Engagement bis hin zu gestalterischen Formensprache, die seine Architektur unverwechselbar prägt. Eine außergewöhnlich umfangreiche Auswahl an Zeichnungen, Modellen, Möbeln, Fotografien und Filmen macht die sinnliche Atmosphäre von Bawas Vermächtnis spürbar und betont seine zeitlose Relevanz. Eine Ausstellung des Vitra Design Museums, dem M+ in Kooperation mit dem Geoffrey Bawa Trust.

Text: Vitra Design Museum

Bereits kurz nachdem Karl-Heinrich Müller die ehemalige NATO-Raketenstation Hombroich erworben hatte, wurden Ende 1994 in den früheren Militärgebäuden die ersten Wohnungen und Ateliers bezogen. Bald entwickelten sich auf dem Gelände vielstimmige Aktivitäten zur Musik, Literatur, bildenden Kunst und Architektur. Die Geste des Einladens zum Dialog und des Gast­gebens befördert bis heute einen regen künstlerischen Austausch an diesem Ort.

Im Rahmen des Stiftungsjubiläums zeigen die auf der Raketenstation lebenden und arbeitenden Künstlerinnen und Künstler einen Einblick in das eigene Schaffen und laden dazu weitere Gäste ein. Was Jetzt Ist – 30 Jahre Raketenstation Hombroich ist bis zum 7. März 2027 immer freitags bis sonntags von 12:00 bis 17:00 Uhr, ab November bis 16:00 Uhr, zu sehen. (Text: Stiftung Insel Hombroich)

Lego kennt jedes Kind. Doch bevor das dänische Unternehmen den internationalen Markt erobern konnte, gab es Hunderte von Firmen, die Bauspielkästen herstellten – rund 900 allein im deutschen Sprachraum.

Aus der Privatsammlung des Grafikers Claus Krieger, die etwa 150 Baukästen umfasst, entstand eine Mitspielausstellung für Kinder ab 4 Jahren. Sie folgt der These, dass die Vielfalt der Spielsets weniger das Resultat von pädagogischen Absichten war, sondern dass eine Art „Evolution der Steine“ diese Fülle an Baukästen hervorgebracht hat. Unzählige Firmen haben versucht, was schließlich Lego gelungen ist: eine haltbare Verbindung zwischen den Bauelementen herzustellen. Zur ursprünglichen Ausstellung im Deutschen Architekturmuseum (DAM) erschien der Katalog 111 Architekturbaukästen. (Text: Museum für angewandte Kunst Wien)