Was beschäftigt Architekt*innen? Welche Überzeugungen, Fragestellungen und persönlichen Perspektiven prägen ihre Arbeit? Sechs junge Architekturbüros aus Deutschland geben Einblick in ihre Interessen, thematischen Schwerpunkte und individuellen Herangehensweisen. Die Büros vereint nicht nur das Entwerfen und Ausführen hochwertiger und anspruchsvoller Architektur in der Praxis, sondern auch ein theoretisch-akademischer Blick auf das Architekturschaffen und ihr Engagement in der Lehre an renommierten Universitäten und Hochschulen.

Zentrales Element der Ausstellung ist ein gemeinsam konzipierter Tisch auf dem Arbeiten der einzelnen Büros in unterschiedlichen Medien und Maßstäben präsentiert werden. Dabei ist der Tisch nicht nur Ausstellungsfläche, sondern zugleich selbst Exponat und Ergebnis des gemeinsamen Prozesses. So entsteht ein mehrdeutiges Bild zeitgenössischer Architekturpraxis, das individuelle Ansätze ebenso wie gemeinsame Interessen und Fragestellungen erfahrbar macht. (Text: ArchitekturSalon Hamburg)

Ausstellende Architekturbüros:

• Bernd Schmutz Architekten, Berlin
• FAKT, Berlin
• Kawahara Krause Architects, Hamburg
• LNCL, Berlin
• Meier Unger Architekten, Leipzig
• Multerer Architekten, München

Tomás Saraceno (geb. 1973, San Miguel de Tucumán, Argentinien) verbindet Kunst, Archi­tektur und Wissenschaft miteinander, um mögliche ökosoziale Zukunftsvisionen zu entwerfen. Die Aus­stellung präsentiert seine zentralen Forschungsprojekte Aerocene und Arach­no­philia sowie eine neue, gemeinsam produzierte Auftragsarbeit, die gemeinsam mit Indigenen Ge­mein­schaften von Red Atacama aus Las Salinas Grandes im Norden Argentiniens entwickelt worden ist. Deren fortwährender Kampf gegen den Lithiumabbau und die damit verbundene Beein­träch­tigung der lebenswichtigen Was­serkreisläufe in der Region bilden den Aus­gangs­punkt für ein Kunstwerk, das sich über die Grenzen des Ausstellungsraums hinaus er­streckt.

Im Haus der Kunst materialisieren sich diese Ideen in Gestalt von Luft-Skulpturen, Habitaten für verschiedenste Spezies und Environments, die neue Arten von Auf­merk­sam­keit erfordern. Gemeinsam bieten die Arbeiten eine Plattform, um die Formen der Koexistenz von Menschen und nicht-menschlichen Wesen neu zu überdenken. Sie ge­ben zugleich Anstoß für einen breiteren Dialog über die ökologischen und die sozialen Kräfte, welche die globale Energiewende prägen. (Text: Haus der Kunst München)

Städte werden durch den Klimawandel immer heißer – mit spürbaren Folgen. Hitze, Dürre, Wasserknappheit und Überschwemmung machen deutlich, wie dringend urbane Räume neu gedacht und gestaltet werden müssen. Da Städte den größten Anteil an CO₂-Emissionen verursachen, tragen sie eine besondere Verantwortung, etwa beim Umbau von Infrastruktur und öffentlichem Raum. Viele von ihnen wollen in den nächsten fünfzehn Jahren klimaneutral werden. Was bedeutet das für die Zukunft – für Planung, Architektur und Leben in der Stadt?

Too Hot zeigt Beispiele aus dreizehn europäischen Städten verschiedener Klimata, von der Kleinstadt bis zur Metropole. Sie reagieren auf die Klimakrise mit konkreten Maßnahmen für Klimaschutz und Anpassung: darunter gebaute Projekte, strategische Planungen und zivilgesellschaftliche Initiativen. Die Ausstellung veranschaulicht, wie vielfältig dieser Wandel aussehen kann und von welchen sozialen Fragen und gesellschaftspolitischen Diskursen er begleitet wird.

Too Hot richtet sich an die Stadtgesellschaft aller Altersgruppen, kommunale Entscheidungsträger*innen, Fachöffentlichkeit und internationales Publikum. Kuratorisches Team: Katharina Böttger, Jonas Malzahn, Mathias Schnell (studio central). Text: Deutsches Architekturmuseum (DAM)

Ob barocke Opulenz, moderne Schlichtheit oder brutalistische Härte; schallendes Glockengeläut, religiöse Rituale oder andächtige Stille. Sakralbauten nehmen seit Jahrhunderten eine zentrale Stelle in der Schweizer Gesellschaft ein. Ihre Hallen waren lange Zeit das Zentrum von Alltag, Religion und Gemeinschaft, ihre Türme markierten den Mittelpunkt ländlicher Dörfer und städtischer Quartiere.

Doch immer weniger durchdringen Glaube und Kirche die Schweizer Bevölkerung. Viele der einst belebten Gotteshäuser stehen zunehmend leer, während ausbleibende Steuereinnahmen ihren aufwändigen Unterhalt erschweren. Daher machen sich immer mehr Kirchgemeinden auf die Suche nach alternativen Immobilien-Strategien. Doch welche rituellen und architektonischen Qualitäten gilt es dabei zu erhalten? Welche neuen Nutzungen könnten in den einst heiligen Hallen Platz finden? Und was darf – und muss – sich verändern, damit unser sakraler Baubestand als identitätsstiftendes und gemeinschaftliches Erbe erhalten bleibt?

Die Ausstellung zeigt anhand historischer und zeitgenössischer Projekte aus der Schweiz, wie viele unterschiedliche Wege der Transformation dabei möglich sind – von ausgebauten Kirchenbänken bis zum Abbruch. So soll ein kollektiver Diskurs um Wandel und Erhalt von Sakralbauten entstehen. Denn damit ihr architektonischer und kultureller Wert bewahrt bleibt, verdienen sie neue gesellschaftliche Bedeutungen – auch neben religiöser Rituale. (Text: ZAZ Bellerive)
Kuratiert von: Fabian Ruppanner, Nora Hochuli

„Gestalten für Berlin“ beleuchtet künstlerische Grundlagen, Entwurf und Praxis und versammelt historische und gegenwärtige Arbeiten aus den Bereichen Formgestaltung und Grafikdesign. Zudem fragt die Ausstellung nach aktuellen Perspektiven: Was heißt es, heute Design zu studieren?

Ob Berlinale-Plakat oder der Schriftzug für das Kino International, U-Bahn oder Fahrrad, Weltzeituhr oder klimaschützende Fassaden, Brandwände oder Bühnenplakate: Generationen von Studierenden, Lehrenden und Absolvent*innen aus Weißensee gestalten Berliner Stadträume, Kultur und Mobilität, kurz: den Berliner Alltag.

Die Ausstellung ist eine Skizze und erhebt keinen Anspruch auf Vollständigkeit. Sie kann weder das Schaffen aller Menschen und Fachbereiche aus acht Jahrzehnten noch das Wirken über Berlin hinaus abbilden. Vor dem Hintergrund gesellschaftlicher und ökologischer Herausforderungen sowie der umfangreichen Kürzungen im Wissenschafts- und Kulturbereich verweist „Gestalten für Berlin“ auf die Innovations- und Gestaltungskraft von Design, Kultur und Lehre und deren Bedeutung für eine zukunftsfähige und lebenswerte Stadt. (Text: Kunsthochschule Berlin-Weißensee, gekürzt)

In den 1980er-Jahren entwickelte sich in der DDR eine spezifisch ostdeutsche Auseinandersetzung mit der Postmoderne – auch wenn diese dort nicht so genannt werden durfte. Ihre Protagonist:innen gehörten einer bohemistischen Subkultur an, die im Schatten eines repressiven Staates entstand, der zunehmend an Autorität verlor.

Einer von ihnen war der Architekt Michael Kny. Im Kollektiv unter der Leitung von Wolf-Rüdiger Eisentraut entwarf er mit seinem Partner Thomas Weber in den 1980er-Jahren einige Bauten für das neue Zentrum Marzahns. Sie suchten innerhalb des typisierten Bauens nach eigenen Formen und wichen mit ungewöhnlichen Kombinationen industriell gefertigter Bauteile von den Normbauten der DDR ab.

Kny wurde zugleich zum Vorbild für Peter Kahanes DEFA-Spielfilm Die Architekten (1989/90). Der Film erzählt von einem Nachwuchs-Architekten, dessen Großprojekt an Bürokratie und ökonomischen Zwängen scheitert, und folgt den verschiedenen Phasen dieses Scheiterns bis hinein ins Private. Der Film steht exemplarisch für die Krise des DDR-Bauwesens und zeigt in prägnanten Bildern eine Stadt zwischen Plattenbau-Metropole und Boheme-Kiez inmitten einer niedergehenden DDR.

Die Ausstellung Die Architekten* nimmt Film und Baukomplex und zum Ausgangspunkt und verbindet Architektur, Film, Fotografie und Kunst. Historische Dokumente, Modelle und Fotografien treffen auf die künstlerischen Großsiedlungs-Collagen von Wenke Seemann, Videogespräche von Sonya Schönberger mit Beteiligten, Porträtserien von Ulrich Wüst oder das Gemälde "Breughels Babylon" vollendet von Michael Kny. Gemeinsam machen sie ein Netzwerk von Ideen, Freundschaften und künstlerischen Praktiken sichtbar, dessen Spuren bis in die Gegenwart reichen. (Text: nGbK-Arbeitsgruppe station urbaner kulturen)

Das Bauen mit vorgefertigten Tafeln – heute allgemein Plattenbau genannt – hat nicht nur die DDR stark geprägt. Auch in Westdeutschland gab und gibt es zahlreiche Bauten dieser Art. Unzählige Wohnungen entstanden vor allem in den 1960er bis 1980er Jahren in dieser Bauweise. Doch warum baute man so? Was waren die Vorteile, was die Nachteile? Was machte das Wohnen in der Platte aus und warum ist das Image der Bauten so schlecht? Heute brauchen wir wieder dringend viele neue Wohnungen. Es wird auf modulares, serielles Bauen gesetzt. Hat die Platte also eine Zukunft?

Die Ausstellung stellt die Entwicklung des Plattenbaus fokussiert auf den Wohnungsbau und im ständigen Vergleich von ost- und westdeutschen Entwicklungen vor. Sie zeigt, wann und warum die Idee des industriellen Wohnungsbaus aufkam, wie die dafür erforderlichen Strukturen entstanden und der Plattenbau sich in den folgenden Jahrzehnten bis heute weiterentwickelte. Es wird anhand verschiedener thematischer Vertiefungen, wie z. B. zu Wohnkomplex und Siedlungsbau, Wohnen, baugebundener Kunst, dem Image der Platte oder dem Umgang mit der Altstadt vorgestellt, wie auf Bedarfe und Entwicklungen reagiert wurde. Für die Zeit nach 1990 präsentiert die Ausstellung vielfältige Möglichkeiten, baulich und sozialverträglich mit bestehenden Siedlungen umzugehen und diese zukunftsorientiert weiterzuentwickeln. Abschließend gibt die Ausstellung einen Ausblick in die Zukunft. (Text: Stadtmuseum Dresden, gekürzt)

Mit einer über fünfzig Jahre währenden Schaffenszeit und mehr als 200 realisierten Projekten zählt Geoffrey Bawa (1919–2003) zu den einflussreichsten Architekten Asiens des 20. Jahrhunderts. Sein Werk verbindet die Prinzipien des Modernismus auf einzigartige Weise mit regionalen und traditionellen Elementen und entwickelt so eine unverwechselbare Architektursprache, die sensibel auf den Ort, lokale Materialien und kulturelle Identitäten reagiert. Bawas Oeuvre prägte die Architektur des postkolonialen Sri Lanka nachhaltig und umfasst Hotels, Privathäuser, Schulen, Universitäten, Fabriken, Bürogebäude sowie das Parlamentsgebäude des Landes. Heute wird sein Ansatz weltweit neu entdeckt und dient als inspirierendes Vorbild für sozial und ökologisch nachhaltiges Bauen.

Im Herbst 2026 präsentieren das Vitra Design Museum und M+ Hongkong in Zusammenarbeit mit dem Geoffrey Bawa Trust die erste umfassende Retrospektive zu Bawa seit zwei Jahrzehnten. Die Ausstellung beleuchtet zentrale Leitmotive seines Schaffens – von interdisziplinärer Zusammenarbeit sowie ökologischem, sozialem und kulturellem Engagement bis hin zu gestalterischer Formensprache, die seine Architektur unverwechselbar prägt. Eine außergewöhnlich umfangreiche Auswahl an Zeichnungen, Modellen, Möbeln, Fotografien und Filmen macht die sinnliche Atmosphäre von Bawas Vermächtnis spürbar und betont seine zeitlose Relevanz. (Text: Vitra Design Museum)

Beim VELUX Architektur-Wettbewerb, der gemeinsam mit DETAIL ausgelobt wird, rücken Projekte in den Fokus, die das Potenzial des natürlichen Lichts auf beispielhafte Weise nutzen. Bei denen Tageslicht nicht als Ergänzung, sondern als integraler Bestandteil des architektonischen Entwurfs verstanden wird.

Gesucht werden realisierte Neubauten, Sanierungen und Restaurierungen aus Deutschland, Österreich und der Schweiz, die zeigen, wie Licht Architektur prägt, Orientierung schafft, das Wohlbefinden stärkt und nachhaltige Raumkonzepte unterstützt. Voraussetzung für die Teilnahme ist ein Tageslichtkonzept, das u.a. mit VELUX‑Produkten realisiert wurde. Die Jury bewertet insbesondere die Qualität der Tageslichtführung, die Lichtstimmung im Tagesverlauf, ausgewogene Lichtverhältnisse sowie den sensiblen Umgang mit Materialien und Oberflächen, die das einfallende Licht aufnehmen, reflektieren und im Raum wirksam werden lassen. Professionelle Fotografien, welche die Lichtführung und Raumwirkung überzeugend dokumentieren, sind für die Beurteilung von großem Vorteil.

Über die Auszeichnungen entscheidet 2027 eine hochkarätig besetzte, unabhängige Fachjury. Der Wettbewerb bietet die Möglichkeit, Arbeiten einem renommierten Fachpublikum zu präsentieren und Teil einer Auszeichnung zu werden, die seit vielen Jahren für herausragende Architektur und wegweisende Tageslichtkonzepte steht. Neben einem Preisgeld von insgesamt 12.000 Euro eröffnet die Teilnahme die Chance auf eine hohe Sichtbarkeit innerhalb der Architekturbranche.

Bereits kurz nachdem Karl-Heinrich Müller die ehemalige NATO-Raketenstation Hombroich erworben hatte, wurden Ende 1994 in den früheren Militärgebäuden die ersten Wohnungen und Ateliers bezogen. Bald entwickelten sich auf dem Gelände vielstimmige Aktivitäten zur Musik, Literatur, bildenden Kunst und Architektur. Die Geste des Einladens zum Dialog und des Gast­gebens befördert bis heute einen regen künstlerischen Austausch an diesem Ort.

Im Rahmen des Stiftungsjubiläums zeigen die auf der Raketenstation lebenden und arbeitenden Künstlerinnen und Künstler einen Einblick in das eigene Schaffen und laden dazu weitere Gäste ein. Was Jetzt Ist – 30 Jahre Raketenstation Hombroich ist bis zum 7. März 2027 immer freitags bis sonntags von 12:00 bis 17:00 Uhr, ab November bis 16:00 Uhr, zu sehen. (Text: Stiftung Insel Hombroich)

Lego kennt jedes Kind. Doch bevor das dänische Unternehmen den internationalen Markt erobern konnte, gab es Hunderte von Firmen, die Bauspielkästen herstellten – rund 900 allein im deutschen Sprachraum.

Aus der Privatsammlung des Grafikers Claus Krieger, die etwa 150 Baukästen umfasst, entstand eine Mitspielausstellung für Kinder ab 4 Jahren. Sie folgt der These, dass die Vielfalt der Spielsets weniger das Resultat von pädagogischen Absichten war, sondern dass eine Art „Evolution der Steine“ diese Fülle an Baukästen hervorgebracht hat. Unzählige Firmen haben versucht, was schließlich Lego gelungen ist: eine haltbare Verbindung zwischen den Bauelementen herzustellen. Zur ursprünglichen Ausstellung im Deutschen Architekturmuseum (DAM) erschien der Katalog 111 Architekturbaukästen. (Text: Museum für angewandte Kunst Wien)

Die Ausstellung ‚Zu Fuß. Objekte auf Beinen‘ widmet sich erstmals den bei mittelalterlichen Objekten weitverbreiteten Füßen in Formen von Tatzen, Klauen oder Drachen. Zwar werden unzählige zwischen 1000 und 1300 in Mitteleuropa entstandene Leuchter, Kreuzfüße, Tragaltäre, Kannen oder sogar Taufbecken von derartigen Füßen getragen, thematisiert und erforscht wurden diese aber bislang kaum.

Somit wird die Aufmerksamkeit auf ein wesentliches Element der Objekte gelenkt, das vielfältige Interpretationen zulässt. Von Fragen der Funktionalität geht es zur Antikenrezeption, Ikonografie oder Überlegungen zum Animismus. Die Bedeutung der mittelalterlichen Werke kann so jenseits der klar benennbaren Funktionen und Bildprogramme erörtert werden. Der auf die Füße gelenkte Blick eröffnet die Freude an der originellen Formenvielfalt und oft übersehenen Details.

Die Ausstellung präsentiert zahlreiche Werke des Hildesheimer UNESCO-Welterbes, dem Domschatz, und bezieht auch die berühmtesten Kunstwerke, wie die Bernwardtür und das Taufbecken im Hildesheimer Dom, mit ein. Darüber hinaus werden hochkarätige Leihgaben gezeigt, wie zum Beispiel der Paderborner Tragaltar: ein herausragendes Meisterwerk mittelalterlicher Goldschmiedekunst, das für die Ausstellung im Dommuseum erstmals ausgeliehen wird. (Text: Dommuseum Hildesheim, gekürzt)

Wie viel Schallschutz steckt in einer Wand, und wo entscheidet sich in der Planung, ob ein Raum später gut klingt? Darum geht es am Donnerstag, 18. März 2027, von 16 bis 20 Uhr bei PAN+ARMBRUSTER, Raiffeisenstraße 4, 77704 Oberkirch. Eingeladen sind Architekt:innen und Innenarchitekt:innen aus der Region. Der Nachmittag rund um Akustik, Material und Handwerk bietet Raum für fachlichen Austausch auf Augenhöhe.

Das Programm umfasst den Kurzvortrag „Wie Architektur klingt“ von Stephan Hepp zu Raumakustik und Schalldämmung sowie Schallschutz aus der Planungspraxis zu Wand, Tür und Gesamtsystem. Bei Meet the Makers: Hightech trifft Handwerk eine Erlebnisroute durch Showroom und Fertigung. Zum Austausch laden Aperitif mit regionalen Spezialitäten und der Architektur-Salon mit drei Weinen, drei Perspektiven und Flying Dinner ein.

PAN+ARMBRUSTER fertigt seit 1988 in Oberkirch Systemwände, Raum-in-Raum-Lösungen und Trennwandsysteme. Nachhaltigkeit und Regionalität sind dabei Designprinzip, das Unternehmen ist seit 2011 Mitglied der DGNB.

Für die Teilnahme ist eine kostenfreie Anmeldung erforderlich.

Die Landeshauptstadt München verfügt über einen großen Schatz an Daten. Welche Daten dies sind und welchen Nutzen sie für die Münchnerinnen und Münchner haben, das zeigt die neue Ausstellung „Data in a box. Stadtentwicklung digital, vernetzt und innovativ“. Zu sehen und vor allem zu erleben ist sie vom 22. September 2026 bis 25. März 2027 im PlanTreff, der Plattform zur Stadtentwicklung, in der Blumenstraße 31.

Das Spektrum reicht von 3D-Geodaten, Stadtplanungssimulationen und Luftbildern bis hin zu Wirtschafts- und Bevölkerungsdaten sowie Vorausberechnungen zur Stadtentwicklung und Daten zu Lärm, Luftqualität oder Mobilität. All diese Daten stecken in digitalen Lösungen der Stadtplanung, zum Beispiel im Digitalen Zwilling München – einer virtuellen Nachbildung der Stadt – oder im neuen digitalen Stadtentwicklungsplan. Das Ziel ist es, mit diesen digitalen Lösungen die Planung unserer Stadt und damit die Lebensbedingungen für alle in München zu verbessern. Die neue Ausstellung im PlanTreff zeigt Beispiele, wofür die gesammelten Daten genutzt werden und welches Potenzial in ihnen steckt. (Text: Landeshauptstadt München)

Für seine erste Einzelausstellung in Deutschland Gong | Schlag | Pfiff hat das dänische Künstlerinnen-Duo Astrup & Bordorff einen neuen Film geschaffen. In dem Kammerspiel verbinden sich die Welten der Bühne, des Musikfilms und des Schauspiels.

Anhand von archäologischen Artefakten, Modellen und anderen Indizien spekuliert der Film Drainpipe Dreams über die Existenz eines vergessenen fünften Meisterhauses und seiner Bewohner*innen. Die Ausstellung wird durch eine raumgreifende Installation in der „Raumbühne“ des Bauhaus Museums Dessau ergänzt, die die Erzählung des Films in den Ausstellungsraum hinein erweitert. (Text: Stiftung Bauhaus Dessau)

The 15th edition of Philippe Rotthier European Prize of Architecture will take place in 2027 and it will recognize initiatives that leverage collective and cultural values, that rely on the genius of the European city, its dialogue with the past and history, its regional anchoring and the implementation of natural and durable materials.

The jury will be particularly attentive to projects that are locally based and seek to integrate rural and urban contexts by taking into account local practices. That make a maximum use possible of natural materials and ecological methods. That enhance surrounding public spaces like streets, paths, avenues and squares. That favor a variety of activities by means of integrated building functions and optimal building circulation. Ecological, energetical, economical aspects, as well as the territorial and landscape dimensions will be also taken into consideration. The Prize will be awarded to the architectural works realized during the last 5 years. (Text: Philippe Rotthier European Prize of Architecture)

April 2027
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Der Bauingenieur, Architekt und Künstler Hans-Walter Müller zählt zu den Pionieren der aufblasbaren Architektur. Seit den 1960er-Jahren erforscht er, wie sich mit minimalem Materialeinsatz überraschend große, lichte Räume schaffen lassen. Ein geringer Luftüberdruck genügt, um seinen Konstruktionen Form und Stabilität zu geben. Im Gegensatz zur traditionellen, von Schwerkraft bestimmten Architektur entstehen so leichte Räume, die erscheinen, sich verändern und wieder verschwinden können.

Als Teil eines Workshops im Finstral Studio Friedberg wurde diese Arbeitsweise mit Masterstudierenden der Technischen Hochschule Augsburg fortgesetzt. Für den Moritzplatz in Augsburg entwickelten die Studierenden gemeinsam mit Hans-Walter Müller eine Struktur, die der bestehenden Architektur für einen kurzen Moment eine andere Form des Bauens gegenüberstellt: leicht, temporär und von Luft getragen. Dabei ging es nicht allein um den Kontrast zwischen Stein und Luft, Dauer und Vergänglichkeit, sondern im Bezug zur benachbarten Moritzkirche auch um die Frage, wodurch ein Raum seine sakrale Qualität erhält.

Nach der Präsentation des gemeinsam entwickelten Volumens ist die Struktur inzwischen wieder nach Friedberg ins Finstral Studio zurückgekehrt. Als Teil einer Ausstellung über Hans-Walter Müller und seine Arbeit ist sie dort noch bis zum 2. April 2027 zu sehen. (Text: Finstral, gekürzt)

Der Internationale Hochhaus Preis 2026/27 präsentiert eine Auswahl aktueller Hochhausprojekte auf der ganzen Welt, die sich durch zukunftsweisende Gestaltung, Funktionalität, innovative Bautechnik, städtebauliche Einbindung, Nachhaltigkeit und Wirtschaftlichkeit auszeichnen.

Die Ausstellung stellt alle nominierten Bauten vor. Der im Rahmen der feierlichen Preisverleihung in der Frankfurter Paulskirche im November 2026 verkündete Preisträger wird in der Ausstellung gemeinsam mit den Finalisten und den Nominierten anhand von Modellen, großformatigen Fotos, Zeichnungen, Texten und Filmen in der Ausstellung dokumentiert.

Der Internationale Hochhaus Preis wird alle zwei Jahre vom Deutschen Architekturmuseum (DAM) und der DekaBank organisiert und als offizieller Preis der Stadt Frankfurt verliehen. (Text: Deutsches Architekturmuseum)

Zwei Persönlichkeiten, zwei außergewöhnliche Lebenswege, eine gemeinsame Herkunft: Der Schriftsteller Siegfried Lenz (1926–2014) und der Architekt Volkwin Marg (geb. 1936) wurden in Ostpreußen geboren und fanden nach dem Zweiten Weltkrieg in Hamburg eine neue Heimat. Von hier aus begannen ihre herausragenden Karrieren. Siegfried Lenz, geboren in Lyck (heute Ełk in Polen), gehört zu den bedeutenden deutschen Schriftstellern der Nachkriegszeit. In Werken wie Deutschstunde, So zärtlich war Suleyken und Heimatmuseum setzte er sich mit Erinnerung, Schuld, Pflicht und Heimat auseinander.

Volkwin Marg, geboren in Königsberg (heute Kaliningrad in Russland), gründete 1965 gemeinsam mit Meinhard von Gerkan das renommierte Architekturbüro gmp. Seine Bauwerke prägen bis heute das Gesicht vieler Städte weltweit und stehen für eine Architektur, die Funktionalität mit kulturellem Anspruch und gesellschaftlichem Verantwortungsbewusstsein verbindet. Die Ausstellung verbindet Literatur, Architektur und Zeitgeschichte und erzählt von Heimatverlust, Neubeginn und kultureller Gestaltung. Zugleich greift sie Fragen auf, die bis heute aktuell sind: Was bedeutet Heimat? Wie prägt Herkunft unsere Identität? Und welche gesellschaftliche Verantwortung übernehmen Literatur und Architektur? (Text: Informationszentrum Ostpreußen)

Für die Teilnahme an der Eröffnung ist eine Anmeldung unter Tel. 04131 759950 oder info@ol-lg.de erforderlich.